Guía de la pintura

La pintura sugiere un mundo real o imaginario mediante pinceladas de color. En el arte, la creatividad es esencial. Los artistas la expresan utilizando técnicas únicas que otorgan a sus obras una identidad propia sobre un lienzo. Este último está compuesto por un soporte, una fina capa de encolado, la preparación, el medio o capa pictórica y un barniz.

Esquema de las diferentes capas de una pintura.

Los aglutinantes

La pintura sugiere un mundo real o imaginario mediante pinceladas de color. En el arte, la creatividad es esencial. Los artistas la expresan mediante técnicas únicas que otorgan a sus obras una identidad propia sobre el lienzo. Estas obras se componen de un soporte, una fina capa de encolado, la preparación, el medio o capa pictórica, y un barniz.

Pintura al temple

El temple es una técnica que consiste en mezclar los pigmentos con yema de huevo. Es un método de pintura utilizado desde la Prehistoria y que alcanzó su apogeo durante el Renacimiento. Se puede aplicar sobre papel grueso, yeso o lienzo para asegurar una buena adherencia de la pintura. Para obtener un resultado más estético, se deben aplicar varias capas finas y jugar con la transparencia. Algunos pintores añaden directamente pigmento blanco de titanio o trabajan con la capa base de gesso. Es una técnica que seca rápidamente.

Un temple no barnizado no se oscurece con el tiempo, a diferencia del óleo. Por tanto, los valores claros permanecen más luminosos. Sin embargo, los tonos oscuros no son tan profundos como los del óleo. Si la pintura está barnizada, los tonos pueden alcanzar la misma profundidad. Para ello, el temple se pule con un paño para obtener brillo, mientras que un barniz tradicional puede alterar el aspecto del color (saturación, acabado mate, satinado o brillante) y amarillear con el tiempo. También es posible abrillantar el temple con piedra de ágata.

El temple se vuelve frágil y quebradizo con el tiempo, por lo que se recomienda usarlo sobre soportes rígidos.

Pintura con cera

La pintura a la encáustica, o con cera de abejas, es también una de las técnicas pictóricas más antiguas. Según Plinio el Viejo, el pintor Lisipo desarrolló el procedimiento en el siglo IV a.C. utilizando una placa de metal calentada sobre la cual aplicaba cera de abeja y pigmentos antes de pintar sobre un soporte de madera. Su excepcional resistencia a la humedad ha permitido conservar obras de más de dos mil años, como los retratos de El Fayum. Esta técnica puede reforzarse añadiendo resina dammar (utilizada en barnices y medios), lo que también aumenta su brillo. A diferencia de otros medios, no requiere tiempo de secado ya que se solidifica instantáneamente y puede trabajarse nuevamente al fundirse.

Aunque cayó en desuso con la llegada de la pintura al óleo, fue retomada en el siglo XX por importantes artistas como Jasper Johns o Simon Hantaï.

Pintura con tinta

La pintura con tinta es una técnica común en las artes sino-japonesas desde el quinto milenio a.C., y posteriormente apareció también en Occidente. Generalmente se mezcla con agua y produce efectos similares a la acuarela. Suele realizarse sobre papel grueso, lo que permite a la tinta penetrar en el soporte y formar lavados. Durante siglos fue utilizada como trabajo preparatorio para una obra más prestigiosa, antes de convertirse en una técnica autónoma.

Existen varios tipos de tinta en pintura:

- Tintas negras de carbono hechas con hollín de vela o de lámpara de aceite, fácilmente lavables con agua (excepto la tinta china). Se utilizan principalmente para lavados.

- Tintas metálico-gálicas a base de taninos vegetales como la agalla y sales metálicas, aunque tienden a oscurecerse con el tiempo. Se prefieren para dibujos con pluma.

- El bistre se obtiene de la combustión de la madera. Ofrece una gama más amplia, desde marrón amarillento hasta marrón oscuro. También se utiliza para lavados de color y teñido de papel.

- La sepia proviene del calamar, y tiene un tono más violáceo. Esta tinta se utilizó a partir del siglo XVII y alcanzó su auge en el siglo XIX.

Gen Paul utiliza la tinta para resaltar la viveza de su gesto.

Pintura en acuarela

La acuarela es una técnica de pintura que apareció en el siglo XV sobre pergamino y papel. Se volvió popular en la época moderna, cuando dejó de ser un estudio preparatorio para convertirse en una obra en sí misma. Las herramientas pueden presentarse en forma de lápices, tizas o acuarela líquida para mezclar con agua. Esta técnica se aplica sobre un soporte grueso o seda que absorbe adecuadamente el agua. Permite realizar obras fácilmente, aunque el artista debe ser muy preciso y saber jugar con la transparencia.

Pintura con gouache

El gouache, o “guazzo” en italiano, también es una pintura a base de agua. Sin embargo, es más cubriente y opaca que la acuarela o el acrílico, lo que resulta eficaz para superponer diferentes tonalidades. El color se espesa con tiza. El aglutinante usado es generalmente agua gomosa (mezcla de agua destilada y goma arábiga). El gouache es muy práctico, ya que puede diluirse hasta alcanzar la misma textura que la acuarela.

El gouache tiene muchas cualidades: es fácil de usar con agua, bastante opaco y ofrece colores puros. Gracias a esta técnica, la mezcla se facilita y el secado se acelera. Al igual que el óleo, puede aplicarse en capas gruesas sin agua y seca mucho más rápido. Sin embargo, estas capas pueden agrietarse. También puede usarse con mucha agua (creando lavados), acercándose así a la acuarela y permitiendo jugar con transparencias. Es necesario proteger una obra en gouache con un marco de vidrio y evitar los barnices, que pueden alterar los colores de forma impredecible.

Serge Poliakoff apreciaba especialmente la pintura al gouache, que le permitía trabajar con la delicadeza de sus capas.

Pintura al óleo

La técnica de la pintura al óleo fue desarrollada por los pintores flamencos hacia el siglo XV. Como su nombre indica, consiste en mezclar pigmentos con aceites (lino, amapola, nuez…). Cada aceite vegetal aporta características distintas. Por ejemplo, los pigmentos mezclados con aceite de linaza diluido con esencia de trementina permiten un secado lento y facilitan la creación de numerosos glaseados y arrepentimientos. Esta técnica se utiliza comúnmente sobre lienzo tensado en bastidor. El óleo se caracteriza por un secado lento (1 a 3 semanas), y aporta brillo e intensidad a las obras. Es más resistente que otros medios: el lienzo puede enrollarse sin dañar la capa pictórica. Sin embargo, requiere barnizado para preservar los colores y evitar grietas durante el secado.

Para garantizar una buena adherencia al soporte, es importante seguir la regla del "graso sobre magro", es decir, aplicar capas con mayor contenido de aceite sobre otras más secas. También es esencial preparar adecuadamente la superficie: primero se debe aislar con cola, luego aplicar una capa de imprimación para evitar que el aceite sea absorbido. Gracias a su consistencia espesa, el óleo permite crear relieves y texturas, lo que da mayor profundidad y dinamismo a la obra.

Pintura acrílica

La acrílica es una técnica pictórica comercializada desde el siglo XX. Consiste en mezclar pigmentos con resinas sintéticas diluidas en agua. Tiene un acabado brillante y buena adherencia al soporte. Además, sus componentes secan rápidamente.

La pintura acrílica tiene una consistencia algo más espesa que el gouache y un aspecto ligeramente más brillante. Permite realizar contornos limpios y cortes precisos, y se puede usar para crear texturas. Sin embargo, debido a su rápido secado, los degradados y difuminados son más difíciles de lograr.

La densidad del acrílico permite a Gréké crear efectos de texturas gruesas que contrastan perfectamente con la fineza de sus motivos.

Pintura con laca

La pintura con laca apareció en Vietnam en el siglo XX antes de desarrollarse en Occidente durante el Art Déco.

Es una técnica que mezcla pigmentos, a menudo con materiales preciosos como oro o plata, creando un juego de luces constante e impredecible. La preparación de la savia es larga, pero las lacas de alta calidad pueden durar siglos, incluso milenios, sin deteriorarse. Se aplican por capas sobre soportes de madera, y cada capa se pule cuidadosamente. En Francia, esta técnica es poco común debido a su complejidad y tiempo de preparación, y solo artistas muy atrevidos como Dunand se han aventurado en ella.

Phạm Hậu, Los rápidos de Cho-Bo, Laca, con detalles en oro, plata y nácar molido (detalle)

El barniz

Se trata de la capa final compuesta por una resina diluida en un disolvente, que recubre la pintura para protegerla, aunque los barnices aplicados sobre pinturas al óleo tienden a oscurecerse con el tiempo. Algunos barnices tienen una doble función: una estética y otra conservadora. El barniz es una capa dura y transparente, que puede ser brillante o mate, y puede deteriorarse dependiendo de la resina utilizada. El brillo de un barniz proviene de su resina: cuanto más liso es el barniz, más brillante es. Así, permite intensificar los tonos, realzar el brillo y unificar la superficie del cuadro además del efecto del glacis.

Existen dos tipos de barniz: los barnices grasos y los magros. Los primeros se diluyen con aceite, por lo que son más brillantes y resistentes a la humedad, aunque tienden a amarillear. Los barnices magros, especialmente los que contienen esencia de trementina, son transparentes y no tienden a amarillear, pero son más sensibles a la humedad. Los barnices contemporáneos están compuestos por resinas sintéticas en un disolvente, lo que los asemeja a los barnices magros. Su reflejo tiende a ser azulado y, con el tiempo, resultan menos suaves que las resinas naturales.

Cuando el barniz está dañado o amarillea, la conservación de la obra se ve comprometida y es necesario realizar una restauración.

¿Lo sabías? Los pintores solían barnizar sus cuadros justo antes de una exposición en los salones, lo que permitía a algunos invitados distinguidos descubrir las obras en primicia. El evento previo a la apertura al público se denomina naturalmente «vernissage».

Los soportes

Una pintura puede realizarse sobre una variedad de superficies que influyen considerablemente en la textura, el aspecto y la durabilidad de la obra. Cada soporte presenta ventajas e inconvenientes según las técnicas y objetivos del artista. Gracias a sus características propias, los artistas pueden explorar una gama más amplia de expresiones y estilos, enriqueciendo así su práctica creativa. Sin embargo, estos soportes tienen limitaciones específicas, especialmente los higroscópicos (es decir, que absorben y liberan vapor de agua), lo que significa que se dilatan y contraen con las variaciones de humedad relativa. Esto puede provocar grietas en los soportes de madera, deformaciones en los soportes de papel y distensión o pliegues en los lienzos.

LIENZO

Los lienzos se utilizan desde la Antigüedad, pero fueron abandonados durante la Edad Media por la dificultad de obtenerlos, hasta la evolución de los telares en el siglo XV. Los venecianos fueron los primeros en usar esta técnica en las puertas de los órganos en Venecia, antes de extenderla a Italia en el siglo XVI y luego a Flandes gracias a Rubens. Posteriormente, se convirtió en el soporte privilegiado para las pinturas hasta épocas recientes. Sin embargo, los lienzos son sensibles a los golpes y desgarros, por lo que es necesario montarlos sobre un soporte rígido o tensarlos sobre un bastidor.

Lino: Muy valorado por su robustez y textura fina, el lino es uno de los soportes más tradicionales. Es resistente a la deformación y la humedad, lo que lo hace ideal para obras duraderas. Es también uno de los lienzos más costosos.

Algodón: Más económico que el lino, el algodón también es comúnmente utilizado. Es menos resistente, pero ofrece una superficie lisa adecuada para varios tipos de pintura. Además, es más flexible, lo que facilita su estirado y manipulación según el nivel de humedad.

Cáñamo: El lienzo de cáñamo es un soporte duradero y resistente, apreciado por su textura rugosa y natural, que aporta profundidad a las obras. Su capacidad de absorción intermedia permite colores ricos y vibrantes, mientras que su estabilidad dimensional garantiza una buena conservación a largo plazo. Es versátil y adecuado para técnicas como óleo y acrílico, aunque hoy en día se utiliza poco.

Yute: El lienzo de yute es un soporte económico y de textura muy marcada, que ofrece una superficie rugosa que puede aportar una dimensión táctil a las obras. Su fibra gruesa requiere una preparación cuidadosa con gesso para evitar una absorción excesiva. Aunque es menos resistente que el lino o el algodón, incluso tensado, se utiliza a menudo para trabajos experimentales o de gran formato por su bajo costo y disponibilidad.

Sintético (poliéster): Los lienzos sintéticos, principalmente de poliéster o nailon, son valorados por su resistencia y durabilidad. Presentan gran estabilidad y no se deforman con el tiempo ni con los cambios de humedad o temperatura. Su superficie lisa y uniforme permite una aplicación regular de pintura y detalles finos. Menos absorbentes que los lienzos naturales, requieren menos preparación, lo que puede reducir el uso de gesso y capas base, aunque la pintura puede adherirse con más dificultad. Son más asequibles que los de lino o algodón y adecuados para técnicas como acrílico y óleo, ofreciendo gran flexibilidad a los artistas.

SEDA

La seda es apreciada por su textura suave y refinada, que ofrece una superficie lisa ideal para detalles muy finos y delicados. Su capacidad para retener colores brillantes la convierte en una opción ideal para obras que requieren tonos vivos y luminosos. Ligera y flexible, la seda es fácil de manipular, tensar sobre un bastidor o adherir a un soporte. No obstante, también es frágil y requiere cuidados especiales para evitar desgarros y daños por humedad. Como material natural, la seda aporta una elegancia única a las obras, aunque exige una preparación cuidadosa para asegurar una buena adherencia de los pigmentos.

PAPEL

El papel fue inventado en China durante la dinastía Zhou, hacia el siglo VI a.C., a partir de fibras de cáñamo y cortezas de árboles. Su producción se difundió por Asia y Europa a través de las rutas de la seda.

Es un soporte muy extendido por su fácil acceso y la variedad de texturas y gramajes que ofrece. Su superficie absorbente es ideal para la acuarela, permitiendo lavados fluidos y mezclas sutiles de color. Los papeles más gruesos y texturados son ideales para pastel y gouache, ya que ofrecen buena adherencia de los pigmentos. El papel liso se prefiere para dibujos precisos y detalles finos, como los trabajos con tinta. No obstante, su resistencia puede verse afectada por la humedad y la luz, por lo que se requieren precauciones para la conservación de las obras. En resumen, el papel es un soporte versátil y esencial para muchos artistas, permitiendo una gran diversidad de estilos y técnicas.

MADERA

La madera se ha utilizado como soporte pictórico desde la Prehistoria y vivió un auge durante la Antigüedad. De hecho, la palabra "cuadro" proviene del latín tabula (tabla, plancha de madera). Se distingue por su robustez y durabilidad, ofreciendo una superficie rígida que varía según la especie y la veta de la madera. Permite una aplicación de pintura lisa y detallada, especialmente apreciada en técnicas como el óleo y el acrílico. La madera puede prepararse con gesso para sellar la superficie y evitar la absorción excesiva de pintura, asegurando una buena adherencia de los pigmentos. Sin embargo, puede deformarse y agrietarse por efecto de la humedad, por lo que requiere cuidados adecuados para conservar la obra intacta y prevenir el desarrollo de moho.

VIDRIO

Gracias a su superficie lisa e impermeable, el vidrio ofrece efectos luminosos y translúcidos notables. Se utiliza especialmente en técnicas como la pintura sobre vidrio y las vidrieras, donde la transparencia del material se aprovecha para crear juegos de luz espectaculares. La pintura sobre vidrio requiere pinturas especiales que adhieran bien a esta superficie; en caso contrario, se debe aplicar hiel de buey antes de las capas pictóricas. Aunque el vidrio es frágil y puede romperse, es duradero y resistente a la humedad, lo que asegura una buena conservación de las obras. El vidrio aporta elegancia y claridad a las creaciones artísticas, haciendo que cada pieza sea única por su capacidad de jugar con la luz y el color.

Los bastidores

El soporte de una pintura suele ser doble: en primer lugar, está la superficie pintada, y luego un soporte auxiliar que refuerza la obra. Las pinturas realizadas sobre materiales delgados y rígidos pueden pegarse o montarse sobre un soporte auxiliar para darles más estabilidad y permitir su manipulación o enmarcado.

El soporte más utilizado es el bastidor de madera. Este bastidor, compuesto por un conjunto de listones diseñados para adaptarse al lienzo, garantiza su tensión y estabilidad, ofreciendo una superficie uniforme para la aplicación de la pintura. Desempeña un papel crucial en la preparación del cuadro, asegurando su durabilidad y una presentación

adecuada. Los bastidores pueden variar en tamaño y forma, y algunos están reforzados con travesaños para obras de gran formato. Son fáciles de ajustar, lo que permite a los artistas crear pinturas de diferentes tamaños manteniendo el lienzo bien tensado.

La estructura de madera, también llamada "bastidor", constituye el armazón principal sobre el que se monta el lienzo. Las uniones de espiga y mortaja, ensamblajes de carpintería, son esenciales en la composición del bastidor: la mortaja es una abertura donde se inserta la espiga para unir de forma sólida las distintas partes del marco. Para fijar estas uniones se utilizan clavos pequeños llamados tachuelas, que garantizan la solidez del conjunto. Finalmente, los travesaños de madera son piezas adicionales insertadas en el marco que permiten volver a tensar el lienzo y ofrecer un soporte adicional, especialmente útil en obras de gran tamaño. Estos elementos aseguran que el lienzo permanezca bien tensado y estable, proporcionando una superficie uniforme para la pintura y contribuyendo a la durabilidad y la correcta presentación de la obra.

También existen bastidores con cuñas, diseñados con un mecanismo de tensión ajustable. Este tipo de bastidor tiene esquinas ensambladas mediante pequeñas cuñas de madera insertadas en mortajas en los ángulos del marco. Al introducir o retirar estas cuñas, es posible ajustar la tensión del lienzo con el paso del tiempo.

Glosario

Imprimación: Es una capa de material neutro aplicada sobre una superficie a pintar para hacerla menos absorbente y evitar que altere el aspecto y la consistencia de la pintura. Un lienzo se dice "imprimado" cuando una capa protectora y resistente aísla el tejido del medio pictórico.

Camaïeu (Monocromo): Este término designa una técnica que juega con diferentes matices de un solo color o de colores muy similares. Permite crear efectos de profundidad, volumen y textura utilizando únicamente variaciones de tono e intensidad de un mismo color, en lugar de una gama amplia de colores.

Encolado: Es una cola, generalmente de origen animal, que sella los poros de la madera o las tramas del lienzo. Aísla la fibra de celulosa del óleo y permite estabilizar e impermeabilizar el soporte.

Revestimiento: Producto utilizado para preparar el soporte, a base de gesso, cola de piel de conejo o yeso.

Técnica (Factura): En arte, la factura es la manera en que una obra ha sido realizada, destacando las técnicas, materiales y gestos empleados por el artista. Abarca tanto los aspectos visibles del proceso creativo, como las pinceladas, las texturas y los acabados, como las decisiones técnicas que influyen en el aspecto final de la obra.

Gesso: Es un revestimiento a base de yeso o sulfato de calcio mezclado con cola animal, utilizado desde el Antiguo Egipto para pintar figuras de madera como los ushabtis. En el Renacimiento se pulía para lograr un mejor efecto pictórico.

Veladura (Glacis): Los artistas usaban a menudo capas transparentes de color, llamadas veladuras, para superponer colores y crear efectos de profundidad, luz y transparencia. Consiste en aplicar capas muy finas de pintura diluida en un medio a base de secante, aceite de linaza y trementina.

Impasto: El impasto es una técnica que consiste en aplicar la pintura directamente sobre el lienzo, sin diluirla, con espátula o pincel. El artista suele mezclar los colores directamente para obtener el tono deseado. El impasto se utiliza frecuentemente para transmitir emociones intensas, como en el caso del célebre pintor expresionista Vincent Van Gogh. También es muy común en el arte abstracto.

Intarsia, intaglio: Técnica utilizada en la encáustica y el grabado para insertar o integrar un color dentro de otro con la ayuda de una gubia.

Aglutinante (Ligante): Es la sustancia que da cohesión a la pintura al mezclarse con los pigmentos. Puede ser de origen natural o sintético, translúcido u opaco, líquido o sólido. Según su composición química, modifica el tiempo de secado, el brillo, el espesor, la resistencia y la viscosidad de la pintura.

Medio: En pintura, el medio es la mezcla de pigmentos con un disolvente que permite dar cuerpo a la pintura sin alterar sus colores.

Pigmento: Los pigmentos son componentes clave de la pintura que apenas se disuelven en agua. Son partículas finamente molidas, naturales o sintéticas, que aportan el color característico a la pintura.

Preparación: Se distinguen preparaciones magras rígidas, magras flexibles y grasas (la grasa es una mezcla de aceite y pigmento). Cada una envejece de forma diferente, tiene riesgos específicos y requiere tratamientos de restauración adecuados. Incluso si la preparación presenta problemas, es fundamental comprobar primero la rigidez y estabilidad del soporte, ya que sin ello cualquier intervención fracasará.

Arrepentimiento (Repentir): En arte, un "arrepentimiento" es una modificación o corrección que el artista realiza durante el proceso de creación de una obra. Puede manifestarse mediante capas de pintura superpuestas, ajustes en la composición o cambios en los detalles. Uno de los más conocidos es El hombre herido de Courbet, donde reemplazó a su amante por una espada y una mancha de sangre sobre su propio corazón.

Reserva: Es la parte de una obra que no ha sido cubierta por pintura, dejada intencionadamente visible.

Secante (Siccatif): Sustancia añadida a la pintura, generalmente a base de sales de plomo o zinc, para acelerar su proceso de secado.