los Desnudos azules

Realizados en 1952, dos años antes de la muerte del artista, los Desnudos azules constituyen una de las cumbres de su última etapa y la culminación de una búsqueda desarrollada durante más de medio siglo en torno a la figura humana, el color y la simplificación de las formas.

Cuando Matisse emprendió la serie de los Desnudos azules, tenía ochenta y dos años. Desde la operación quirúrgica a la que fue sometido en 1941 a consecuencia de un cáncer, su movilidad se había visto considerablemente reducida. Sin embargo, esta prueba marcó el comienzo de un período de extraordinaria fecundidad. El artista hablaba entonces de una «segunda vida», durante la cual reinventó radicalmente sus medios de expresión. Incapaz de trabajar durante largos periodos ante el caballete, desarrolló progresivamente la técnica de los papeles recortados, que se convertiría en el lenguaje principal de sus últimos años.

Sus asistentes cubrían hojas de papel con gouache de colores intensos. Matisse las recortaba directamente con tijeras antes de ensamblarlas sobre grandes soportes. No consideraba este procedimiento como un sustituto de la pintura, sino como una nueva síntesis entre dibujo y color. Según su célebre fórmula, se trataba de «dibujar con el color». Esta fusión respondía a una de las preocupaciones fundamentales de toda su carrera: reconciliar el dibujo y la pintura en una expresión unificada.

Los Desnudos azules aparecen así como la culminación de una larga reflexión sobre el cuerpo femenino. Desde las odaliscas del período de Niza hasta las esculturas de las décadas de 1910 y 1930, Matisse volvió constantemente a la figura sentada o reclinada. En los recortes de 1952, el cuerpo queda reducido a unos pocos fragmentos de papel cuya disposición basta para sugerir el volumen y el movimiento. El artista ya no busca describir el cuerpo en detalle, sino conservar sus líneas esenciales, siguiendo un proceso de simplificación que había desarrollado durante varias décadas.

Esta simplificación extrema no es fruto de la improvisación, sino de un largo trabajo preparatorio. Las fotografías del taller muestran que cada elemento fue desplazado, fijado con alfileres y corregido repetidamente antes de alcanzar su posición definitiva.

La elección del azul también forma parte de una larga historia personal. Evoca los recuerdos mediterráneos que recorren toda la obra de Matisse: el mar, el cielo y la luz del sur.

Por último, durante la realización de la Capilla del Rosario de Vence, Matisse evocó en varias ocasiones su admiración por Giotto. Era especialmente sensible al uso del azul en los frescos de la Capilla Scrovegni de Padua, cuya intensidad espiritual le impresionó profundamente y de forma duradera.

Matisse buscaba una depuración capaz de alcanzar lo esencial y, a través de sus Desnudos azules, logró una economía de medios que constituye uno de los grandes logros del arte moderno: hacer surgir simultáneamente la línea, el color y la luz en un único gesto creador.