Grabado es un término genérico que se refiere a una imagen realizada con una placa (madera, metal, piedra…) previamente grabada y entintada, obtenida en papel mediante una prensa. La impresión de un grabado puede realizarse en múltiples ejemplares denominados "pruebas". Entre las técnicas de grabado más populares se encuentran la litografía, que floreció durante la Escuela de París, la serigrafía, que continúa hasta hoy en el arte callejero, y el grabado, como el grabado en metal de Rembrandt o el grabado japonés en madera de Hokusai.
Una litografía de Serge Poliakoff y una serigrafía de JonOne, que se cuentan entre las técnicas de grabado más populares.
Se acostumbra llamar "estampa original" a un grabado concebido y ejecutado sobre la plancha por un solo artista. Sin embargo, muchas estampas de calidad han sido ejecutadas por artistas basándose en otros pintores o dibujantes, siendo estas las "estampas de interpretación".
La firma manuscrita del artista y la justificación de tirada, en el margen inferior, aparecen a finales del siglo XIX y se convierten en un estándar para identificar la tirada.
Las pruebas de una misma tirada no son idénticas debido a la intervención manual (entintado, presión). Independientemente de estas pruebas definitivas, existen pruebas que muestran las diferentes etapas de elaboración de la plancha, llamadas "estados". El artista a veces realiza impresiones de algunas pruebas durante su trabajo, antes de retrabajar la plancha para obtener el resultado definitivo.
Las diferentes técnicas que llevan a la impresión de un grabado pueden agruparse según se considere el material (madera, metal, piedra...) o el modo de elaboración (manual o químico), pero la clasificación más clásica se basa en el tipo de matriz. Las tintas utilizadas para la impresión de grabados varían en composición según las técnicas de impresión. Para el grabado en metal y la litografía se emplean tintas ligeramente grasas para satisfacer la tendencia de amor al cobre o a la parte dibujada de la piedra. En la serigrafía, se utilizan principalmente tintas opacas y cubrientes que permiten colores densos y uniformes.
La grabado en madera es un proceso aparentemente simple, pero que puede alcanzar una complejidad extrema en prácticas como el grabado japonés. El artista talla una placa de madera o linóleo con un formón, punta o cuchillo para eliminar material. Luego, la placa se entinta, y solo las áreas que han sido ahorradas serán visibles en el papel. Por eso se habla de “grabado en relieve”. Es el mismo principio que los sellos de goma o los sellos de papa de nuestra infancia. Donde se complica es cuando se desea un diseño muy fino, lo que requiere virtuosismo del artista, ya que la madera es un material resistente. Además, si se quieren imprimir varios colores, se debe tallar una placa por color. Luego, cada placa se imprime en la hoja para que los colores se superpongan. Este trabajo es muy meticuloso y un pequeño milímetro de diferencia alteraría el resultado final.
Veamos ahora las dos matrices principales: la madera y el linóleo.
Aunque el proceso es conocido en China desde el siglo VII, su aparición en Europa data de finales del siglo XIV. La placa de madera se corta a lo largo de la fibra. Utilizando varias maderas que representan cada una una parte del diseño y superponiendo las impresiones en una misma hoja, se puede lograr una impresión a color. El grabado en madera se reconoce por sus formas afiladas, debido a la dureza de la madera, y a veces por su representación de áreas planas poco homogéneas, debido a la superficie de la madera que no es perfectamente plana.
Un grabado en madera de Hans Arp, Soleil Recerclé, en papel de Auvernia, impreso por el taller Féquet & Baudier.
Se observan formas suaves y ángulos a veces afilados. Las curvas y las áreas planas uniformes han requerido un trabajo de grabado considerable.
Esta forma de grabado es similar al grabado en madera en cuanto a la técnica; solo difiere el soporte. La plancha de linóleo es más blanda para trabajar y mucho menos costosa. Muchos artistas aficionados se prueban en el linograbado, ya que se puede realizar fácilmente en casa. Pero esta técnica también ha sido muy apreciada por artistas del siglo XX, especialmente por Picasso, quien le otorgó sus letras de nobleza. El artista andaluz ideó un procedimiento para grabar varios colores en la misma plancha. Raspaba una fina capa de linóleo para entintar un nuevo color. ¡No había posibilidad de retroceso!
Este busto de mujer en linograbado de Pablo Picasso muestra la amplitud técnica del soporte y la creatividad del artista.
Diversas técnicas se pueden utilizar para una misma estampa. Un tiraje policromático se obtiene bien con una sola plancha entintando cada parte con diferentes colores, o superponiendo varias planchas, cada una para un color específico.
La “punta seca” es una técnica de grabado que permite crear una matriz de metal utilizando una punta. Junto con el buril, forma la familia de las grabados directos (el artista graba la placa con una herramienta), en contraste con el grabado indirecto donde la placa se muerde con un ácido. Los grabados directos e indirectos forman parte de la familia del grabado en hueco, comúnmente llamado “grabado en metal”.
Esta grabado de Pablo Picasso contrasta la suavidad del aguafuerte para los personajes y el trazo agudo de la punta seca para el fondo.
El uso de la punta seca se remonta al siglo XV. Es ante todo la herramienta, una simple punta de acero, con la que se graba la placa de metal que se utilizará para imprimir las pruebas, que por extensión llevan el mismo nombre. La técnica de la punta seca se diferencia de otras técnicas de grabado en hueco por su particularidad de dejar rebabas a ambos lados del surco; estas rebabas hacen de la punta seca un proceso híbrido entre hueco y relieve, ya que la tinta cubre tanto las incisiones como las rebabas.
Es la técnica de grabado en hueco más antigua. Tiene su origen en los estampados que los orfebres hacían de sus trabajos ornamentales en metal para conservar un testimonio. Apareció a mediados del siglo XV simultáneamente en Italia y Alemania, y se extendió a otros países a partir del siglo XVI. El grabador talla una placa de cobre con un buril de acero. El diseño se forma por surcos de distintas profundidades en forma de V. La placa se entinta y se limpia. Bajo fuerte presión, el papel húmedo se moldea en los huecos reteniendo la tinta, dando un ligero relieve al tacto. La presión ejercida por la prensa en grabado en hueco deja la huella del “golpe de plancha” comúnmente llamado “cuvette”.
Este procedimiento se ha utilizado desde el siglo XV. Es un método de grabado en hueco en metal, generalmente cobre, pero también zinc o aluminio. La plancha se cubre en ambas caras con barnices protectores; el artista, con una punta o un lápiz bien afilado, dibuja en el barniz, dejando el metal al descubierto donde está el trazo. Una vez terminado el dibujo, el artista sumerge la plancha de metal en un baño de ácido nítrico o cloruro férrico para el mordido. El mordido será más o menos profundo según la dilución del ácido y el tiempo de inmersión de la plancha. El ácido solo ataca las áreas donde el metal no está protegido. El artista puede realizar varios mordidos sucesivos para obtener matices, y también puede sacar la plancha del baño, cubrir las líneas ya mordidas y dibujar nuevas. Los grabados al aguafuerte a menudo se combinan con partes en aguatinta.
La plancha de metal preparada de esta manera se entinta y se imprime en el papel. Para el artista, esta técnica de grabado tiene la ventaja de ser más práctica que un grabado en talla directa, como con un buril, por ejemplo. La punta que traza el dibujo se desliza fácilmente sobre el barniz. El aguafuerte permite negros profundos y efectos de textura y transparencia apreciados por los artistas.
Un aguafuerte armonioso de Georges Braque, representando su famoso motivo del pájaro.
Inventada a mediados del siglo XVIII por el francés Jean-Baptiste Leprince, el aguafuerte produce un efecto que imita el lavado. El grabador esparce sobre una placa de cobre granos de resina de distintos tamaños. La placa se calienta hasta que los granos se endurecen y resisten así al mordiente. Luego, el cobre se graba al ácido alrededor de los granos. Esto permite obtener matices jugando con el mordiente y la finura de la resina. Esta técnica en hueco se reconoce por la textura finamente granulada que deja la resina. El aguafuerte produce un acabado aterciopelado y planos de color de textura compleja. Entre los artistas que han magnificado esta técnica, se pueden mencionar a Pierre Soulages y Serge Poliakoff. Algunos artistas, como Bertrand Dorny, utilizan la placa de cobre del aguafuerte para embosar ligeramente el papel humedecido.
Un aguafuerte armonioso de Pierre Soulages, representando su famoso motivo del pájaro.
Esta técnica fue descubierta en 1642 por el alemán Ludwig Von Siegen. La manera negra es una técnica de grabado híbrida entre hueco y relieve. La superficie de cobre se eriza con una multitud de pequeñas barbas mediante una herramienta semicircular con dientes pequeños, el rodillo, de tal manera que al imprimir la plancha antes de ejecutar el dibujo se obtenga un negro aterciopelado perfecto. El dibujo propiamente dicho se hace con un bruñidor. El grabador aplana el grano de las barbas para obtener grises y las elimina completamente para obtener blancos. La grabación en manera negra requiere mucho cuidado y su impresión es delicada.
Esta técnica es sinónimo de grabado en metal en hueco. También se refiere a la Calcografía del Louvre, que posee una colección significativa de grabados que datan del siglo XVIII. Hoy en día, la Calcografía del Louvre continúa su misión de preservación de grabados en papel y técnicas de grabado. Lo hace publicando grabados contemporáneos y reeditando obras antiguas.
Esta técnica designa un proceso de impresión de alta calidad que permite producir un gran número de copias, inicialmente utilizado para la impresión de libros de arte y tarjetas postales. El heliograbado al grano, por su parte, es considerado un precursor de la impresión fotográfica. Su invención se debe a Nicéphore Niépce, y su nombre está inspirado en el sol (el dios griego 'Helios'), en referencia a la larga exposición necesaria para el proceso. Aunque el proceso ha experimentado varias evoluciones, fundamentalmente se basa en la grabación de un cilindro de cobre, que luego se entinta y se presiona contra una hoja de papel. El heliograbado se distingue por la alta calidad de sus colores, la profundidad y las sutilezas de los negros que permite, así como por su capacidad para producir numerosas impresiones con un solo rodillo de cobre. También desempeñó un papel clave en la impresión de los primeros daguerrotipos, los precursores de la fotografía moderna.
La litografía es un método de impresión muy popular, empleado por los artistas de la Escuela de París, especialmente Miró, Chagall y Picasso en colaboración con el legendario taller de litografía Fernand Mourlot. El pintor dibuja el motivo sobre la piedra (o una placa de zinc), que luego se entinta y se presiona sobre el papel. El artista puede dibujar con herramientas y técnicas habituales, como el pincel, el lápiz o el lavado. También puede rascar la piedra para agregar efectos adicionales. Cada color requiere una piedra diferente, y el motivo se transfiere en reversa al papel, lo que requiere práctica y la asistencia de un artesano litógrafo. Algunas litografías no son ejecutadas directamente por los artistas, como los carteles de exposición que reproducen óleos sobre lienzo. Por tanto, el artesano litógrafo es un cromista excepcional, capaz de interpretar una obra en la piedra litográfica.
Esta imponente litografía de Bacon reproduce un panel de un tríptico que pertenece a una colección privada. El dibujo sobre la piedra permite una gran variedad de efectos, desde planos uniformes hasta áreas muy detalladas.
La litografía (litho por "piedra") es una técnica inventada en Baviera alrededor de 1798 por Aloys Senefelder, y se extendió con éxito en el siglo XIX. Basado en la antipatía entre agua y grasa, este método plano consiste en crear superficies que retendrán la tinta grasa y otras que la rechazarán.
Esta técnica dio origen al offset, que también se basa en la antipatía entre agua y grasa. Sobre una piedra caliza porosa de grano fino y regular se dibuja con tinta grasa. Luego, se acidifica el resto de la piedra para hacerla afín al agua; cuando el impresor pasa un rodillo entintador sobre la piedra previamente humedecida, la tinta se deposita en las partes grasas dibujadas en la piedra, mientras que las partes que deben aparecer en blanco rechazan la tinta. Para que la antipatía persista, la piedra debe mantenerse húmeda constantemente. Para imprimir, se coloca una hoja de papel sobre la piedra, que luego pasa por la prensa litográfica y sufre una fricción que transfiere la tinta de la piedra al papel. La técnica litográfica ofrece gran libertad de gesto y expresión al artista, especialmente para obras "a la manera de lápiz". El agua y la tinta tienden a emulsionarse; por ello, un artista que busca colores intensos a menudo prefiere la serigrafía, cuya tinta opaca permite mejores planos.
Esta técnica, similar a la litografía, utiliza una placa de zinc en lugar de una piedra. El artista dibuja directamente sobre la placa con herramientas de pintor. Una vez terminado el dibujo, la placa de zinc se presiona sobre una hoja de papel, reproduciendo la imagen en espejo. La zincografía tiene la ventaja de ser más manejable que la pesada piedra litográfica. También permite crear litografías de mayor tamaño, lo cual sería difícil de realizar sobre piedra. Esta técnica fue inventada en 1813 por Alois Senefelder, quien también es el creador de la litografía. El proceso gozó de gran popularidad hasta su declive progresivo en la década de 1920. Entre los pintores de la segunda Escuela de París, Hans Hartung es especialmente conocido por su uso de la zincografía.
Zincografía de Hans Hartung, L 1971-6, en papel vélin de Rives, impreso por el taller Arte - Adrien Maeght.
Esta técnica, una variante de la litografía, fue diseñada para simplificar el proceso de creación para los artistas. El artista comienza dibujando sobre un papel especial. Luego, este dibujo se transfiere a una piedra litográfica. Este proceso ofrece dos ventajas principales. En primer lugar, el papel es más manejable que la pesada piedra litográfica. En segundo lugar, el artista puede dibujar el motivo directamente en la orientación correcta. Este dibujo luego se transfiere en espejo a la piedra y nuevamente en espejo durante la impresión en el papel final. Esto representa una ventaja significativa sobre el método tradicional de litografía, donde el artista debe dibujar el motivo en espejo en la piedra para que esté orientado correctamente en el papel impreso.
Autografía de Hans Hartung, L 30, en papel vélin de BFK Rives, impreso por el taller Jean Pons.
Esta técnica es una evolución moderna de la litografía, ampliamente utilizada para la impresión masiva de revistas, publicidades y catálogos, al mismo tiempo que se emplea en el ámbito de la impresión artística. En la práctica, un motivo digital se transfiere a una placa de aluminio o plástico fijada en un cilindro de impresión.
El proceso de offset, que es fotomecánico, ofrece sin embargo una calidad inferior a la de la litografía tradicional; la trama de la impresión se vuelve visible cuando se examina con una lupa. Por lo tanto, el offset se prefiere para grandes tirajes limitados (como algunos trabajos de Bram van Velde) o por artistas contemporáneos que eligen adoptar esta técnica de impresión masiva. Desde la década de 1980, el término 'estampa digital' también se utiliza para describir las obras cuya matriz se crea por ordenador.
La técnica de la serigrafía es ampliamente utilizada por ilustradores y autores de cómics para realizar ediciones. Aprecian sus colores vibrantes y sus planos densos. Más allá, entre los artistas de la Escuela de París, Sonia Delaunay realizó numerosas serigrafías con el editor Galería Denise René. La serigrafía le permite reproducir fielmente sus planos de colores entrelazados, sus famosos Ritmos coloridos.
Una serigrafía firmada por Victor Vasarely, Phobos.
La serigrafía es un proceso de impresión mediante una malla de seda: es una técnica de impresión moderna que se deriva del método de estarcido. El artista traza su diseño en la malla estirada sobre un marco con látex líquido. Este látex es removible y se puede pelar más tarde dejando libre la trama de seda. Luego se aplica un barniz obturador en toda la superficie de la malla, este barniz tiene como objetivo impedir que la tinta pase a través de la malla en las partes que se quieren mantener blancas. Una vez seco el barniz, el artista pela la película de látex y libera la trama que permitirá que la tinta pase y se deposite sobre el papel. La tinta se deposita en el marco y forma una pequeña ola que el artista mueve de un extremo a otro de la malla con una espátula de goma. El artista repetirá esta operación tantas veces como colores haya. Las tintas utilizadas para la impresión serigráfica son opacas y cubrientes, lo que permite superponer colores.
Aquí hay una tabla resumen de las principales técnicas de estampado:
La técnica consiste en fabricar una matriz a partir de plexiglás o cartón sobre el que se aplican materiales como cola con arena más o menos fina (el famoso carborundum), masilla, etc., dibujando para obtener texturas. Este soporte se entinta luego y se pasa por prensa para realizar diferentes efectos de impresión y grabado en relieve.
Aguafuerte y carborundum del grabador Antoni Clavé, impreso por el taller Poligrafa.
El artista utiliza la arena para trazar motivos en la matriz e imprimir en relieve sobre el papel, ofreciendo el carborundum una textura muy particular.
La aquagravura se caracteriza por la creación simultánea del papel y del grabado. El artista graba y esculpe su motivo en bajo relieve en una placa de cera u otro material, como madera, metal, linóleo. El resultado es una estampa en relieve, con fuertes relieves, ya que las fibras de algodón húmedas han sido moldeadas por la forma de la matriz.
Aquagravura del artista cobra Guillaume Corneille. Se observa el relieve del papel que se adapta a las formas geométricas.
El estarcido es el precursor de la serigrafía. Consiste en un recorte en metal fino o cartón que permite aplicar la gouache con un pincel sin salirse de la forma del recorte. El estarcido no es una técnica de estampa propiamente dicha, ya que la hoja no se imprime con una prensa. Sin embargo, el estarcido permite realizar obras en serie, a veces de la mano del artista, a veces realizadas por un artesano y supervisadas por el artista. La gouache se aplica directamente sobre la hoja, usando el estarcido, lo que da una textura similar a la pintura, con bellos aplats y colores vibrantes. Esta técnica es el origen de la serigrafía. La diferencia entre el estarcido y la serigrafía radica en el aspecto mecánico de esta última (aunque a veces se acciona manualmente), a diferencia del estarcido, que se realiza a mano.
Estarcido de Sonia Delaunay, Poesía de las palabras, Poesía de los colores.
El procedimiento de monotipo es un trabajo de pintor que permite pintar directamente sobre cualquier tipo de placa con un pincel y tintas de impresión. Se imprime una única copia, ya sea con prensa o a mano. Se trata, por tanto, de una obra única, a veces numerada 1/1. El resultado suele ser bastante diáfano, con colores poco pronunciados y un acabado similar a la acuarela.
Impresión en monotipo de Gérard Panet. Se observan las cualidades pictóricas y la textura propia de este medio.
Técnica de grabado en hueco en la que el cobre se cubre con un barniz blando sobre el que se coloca un papel texturizado. Se dibuja con lápiz sobre este papel, adhiriendo el barniz en las áreas del trazo. Luego se procede a la mordida con ácido sobre el cobre expuesto por el dibujo.
Proceso de grabado por levantamiento del barniz: se aplica directamente sobre la placa metálica una mezcla de azúcar y tinta china o gouache, y luego se cubre con un barniz antes de sumergirla en agua: el azúcar se disuelve y despega el barniz. Posteriormente, la placa se sumerge en ácido para atacar las áreas desnudas.
Entre los papeles modernos - principalmente de fabricación mecánica - existe un conjunto de papeles de diferentes calidades. Cada papel es más o menos adecuado para las distintas técnicas de estampación. Así, la litografía suele imprimirse en un Vélin d'Arches, un BKF Rives o un Japon Nacré; un Richard de Bas (papel hecho a mano) o un Vélin de Lana embellecerán un grabado en madera o un aguafuerte. Algunos papeles presentan un filigrana (marca de fábrica) en transparencia; el filigrana permite identificar el papel y a veces datarlo. Es posible que la impresión de una estampa se realice en diferentes tipos de papel (por ejemplo, Vélin d'Arches y Japon nacré).
Si ya has visitado un moulin à papier (molino de papel), sabes cómo se fabrica el papel a mano o a máquina. En resumen, se utilizan fibras de algodón para formar una pasta de papel, que luego se moldea en hojas con un molde y se seca. ¡Ahí tenemos nuestra hoja de papel, lista para imprimir!
Examinemos los principales tipos de papel utilizados en la imaginería. El más común es el papel velín, reconocido por su solidez y su capacidad para imprimir bien la matriz. Este papel se caracteriza por una textura fina y aterciopelada, que resalta la imagen impresa. Viene en diferentes grosores o "gramajes". Entre ellos, se encuentran papeles muy finos, conocidos como "papel pergamino", frecuentemente utilizados en trabajos de restauración.
Entre los fabricantes más renombrados para la estampación se encuentran Arches, BFK Rives, Johannot y Moulin du Gué. Es importante señalar que todos estos nombres han estado asociados con la compañía Arches desde la década de 1950, consolidando así su reputación en el campo de la fabricación de papel de calidad para la impresión artística.
Un papel velín aterciopelado con un grabado de Seiko Tachibana
El Molino de Arches fue fundado a finales del siglo XV, época en la que Cristóbal Colón descubría América. Desde sus inicios, la compañía Arches se ha comprometido a producir hojas de papel de alta calidad. Mientras que otros fabricantes comenzaron a integrar colofonia en su papel por razones económicas ya en la década de 1820, Arches mantuvo los métodos tradicionales, asegurando así una durabilidad de más de cien años para sus papeles. Según Arches, en el siglo XIX, hasta el 90% de las ediciones limitadas de obras de arte se imprimían en papel Arches.
Compuesto enteramente de algodón, este papel tiene una textura única y puede resistir múltiples pasadas bajo la prensa, lo cual es esencial para grabados en color que a veces requieren más de diez impresiones. La técnica de moldeado con forma redonda da al papel bordes desgarrados, es decir, no lisos. Además, el papel Arches contiene una reserva alcalina, protegiéndolo contra la acidez presente en la madera de los muebles de almacenamiento o marcos. No obstante, se aconseja conservar las hojas en condiciones adecuadas, lejos de cualquier contacto directo con materiales ácidos como la madera o el cartón.
En el siglo XX, numerosos artistas de la Escuela de París, como Miro, Picasso o Chagall, prefirieron el papel de Arches para sus impresiones, debido a su calidad y longevidad. El nombre y el filigrana de Arches son marcas de distinción que frecuentemente encontrarás en las estampas de estos artistas, garantizando la perdurabilidad de la obra en el tiempo.
Una excepcional litografía de Joan Miro de gran formato. El papel Arches, grueso y aterciopelado, resalta los colores y texturas de esta obra.
La compañía BFK Rives, nombrada así por las iniciales de sus fundadores, es una papelería ubicada en Rives, en Isère. Estuvo activa desde 1920 hasta mediados del siglo XX, antes de ser finalmente adquirida por su competidor, la compañía Arches. BFK Rives se especializó en la producción de papeles similares al Velín de Arches, con un énfasis particular en un grano liso, diseñado para ser discreto y realzar la obra impresa. Este papel, conocido por sus cualidades excepcionales en grabado en talla dulce, es ideal para obras llenas de detalles.
Al igual que Arches, BFK Rives experimentó un crecimiento significativo gracias a pedidos públicos, especialmente para la producción de billetes de banco y documentos administrativos. El último molino de BFK Rives en Rives cerró sus puertas en 2011. Sin embargo, el papel BFK Rives sigue siendo fabricado por la compañía Arches.
Al igual que el papel Arches, el BFK Rives tiene una reserva alcalina y bordes desgarrados. Estas características lo convierten en una elección preferida para estampas e impresiones artísticas.
Un grabado al aguafuerte de Max Ernst. El papel BFK Rives, con su grano muy fino, es ideal para resaltar las texturas del aguafuerte y la precisión del dibujo lineal.
También existe el papel vergé, reconocible por las tramas visibles dejadas por el molde de fabricación.
Comparación entre el papel velín aterciopelado y el papel vergé tramado
Existen también papeles especiales como el cartón fuerte, los papeles de colores, el kraft o el papel japonés, que pueden aportar un toque único a una obra. En Japón, la fabricación artesanal de papel, una tradición secular, tiende a escasear. Los artesanos aún activos en este campo a veces son reconocidos como 'tesoros nacionales vivientes'. La especificidad del papel japonés, conocido como Washi, radica en su composición basada en fibras de morera japonesa (Kôzô). Estas largas fibras, entrecruzadas en todas direcciones, confieren al papel una resistencia notable. El papel japonés también puede ser extremadamente fino, ofreciendo así una amplia gama de texturas mientras mantiene una resistencia excepcional. Este tipo de papel ha desempeñado un papel crucial en la difusión de las famosas 'estampas japonesas', como las xilografías de Hokusai y Hiroshige, que inspiraron el movimiento del japonismo. Este descubrimiento también sedujo a los artistas de la Escuela de París, como Braque o Picasso, atraídos por la calidad, durabilidad y textura sensual del 'papel japonés'.
Una estampa de Georges Braque en papel japonés nacarado, también llamado Washi. Se observan las venas del papel, debidas a las fibras de la morera japonesa (el Kôzô)
La historia del papel tiene sus raíces en China, donde fue inventado alrededor del año 500 a.C. Inicialmente fabricado a partir de fibras de cáñamo y cortezas de árboles, el papel representó una revolución en la conservación y difusión del conocimiento. Su producción y uso se propagaron rápidamente a través de Asia, en gran parte gracias a los intercambios comerciales y culturales facilitados por la Ruta de la Seda.
Los árabes, tras adquirir la técnica de fabricación del papel a raíz de sus conquistas en Asia Central, introdujeron innovaciones significativas. Entre ellas, el uso del molde de forma en alambre, que permitió producir papel de manera más eficiente y uniforme. Estas mejoras jugaron un papel clave en la difusión del papel en Occidente.
Europa vio el establecimiento de su primera fábrica de papel en Córdoba durante la Edad Media, un período en el que el papel todavía era un producto de lujo. La ciudad de Córdoba, bajo influencia árabe en ese momento, se convirtió en un centro importante para la producción de papel en Europa.
Para reducir su dependencia de la importación de papel de España, alemanes y franceses comenzaron a establecer sus propios molinos de papel en los siglos siguientes. Entre estos molinos, el Molino de Arches en Francia, fundado en 1492, se hizo famoso por su producción de papel de alta calidad.
Con la aparición de la imprenta de Johannes Gutenberg a mediados del siglo XV, la demanda de papel aumentó exponencialmente. Esto condujo al desarrollo de nuevas técnicas de fabricación de papel en los siglos XVIII y XIX, incluyendo la invención de la máquina de papel por el francés Louis Robert y su perfeccionamiento por los británicos Henry y Sealy Fourdrinier. Estas máquinas revolucionaron la producción de papel, haciéndola más rápida, eficiente y económica.
Finalmente, estas innovaciones regresaron a Asia, donde la máquina de papel fue introducida, marcando un retorno a los orígenes de esta invención. Así, el desarrollo del papel, desde sus orígenes modestos en la antigua China hasta su papel central en la comunicación y cultura moderna, ilustra un fascinante ciclo histórico y tecnológico.
La hoja A4 es bien conocida por todos, pero en el campo de los papeles para estampas, existen multitud de otras dimensiones estándar. Además de los formatos de la serie A (como el A3) de uso internacional, también hay formatos tradicionales franceses como Raisin, Jésus, entre otros. Además, la estampa japonesa utiliza formatos específicos que difieren de estos estándares occidentales. Asimismo, existen muchos formatos personalizados que no se ajustan a ningún estándar establecido. A continuación, presentamos una tabla de correspondencia entre los formatos de la serie A y los formatos tradicionales franceses:
Demi-raisin 32,5 × 50
Raisin 50 × 65
Jésus 56 × 76
Colombier 60 × 80
Petit Aigle 70 × 94
Grand Aigle 75 × 105
Grand Monde 90 x 126
Univers 100 × 130
El gramaje no se refiere al grosor del papel, sino más bien a su masa superficial, es decir, la relación entre la masa del papel y su superficie. Se expresa en gramos por metro cuadrado (g/m²). Cuanto mayor sea el gramaje, generalmente el papel es más grueso y pesado. Aquí hay algunos ejemplos de gramajes comunes:
Papeles…
De cigarrillo: entre 15 g/m²
Periódico: 40 g/m²
De impresora: 80 g/m²
Vélin d’Arches: de 120 a 400 g/m²
Cubierta de libro flexible: 250 g/m²
Para acuarela: 500 g/m²
El filigrana del papel es una marca distintiva insertada en la misma estructura del papel. Puede tratarse del logo del fabricante, el nombre de la gama, u otros motivos específicos. Este filigrana se vuelve visible por transparencia cuando la hoja se expone a la luz. Se crea fijando un patrón en hilo de latón sobre la forma o la tela utilizada para formar la hoja de papel. Durante la fabricación, se deposita menos pasta de papel en el lugar del patrón, lo que permite que el filigrana sea visible. El objetivo principal del filigrana es autenticar el origen y la calidad del papel, y en algunos casos, prevenir la falsificación.
Veamos juntos los molinos de excepción, principales productores de papel vélin utilizado para la impresión de estampas.
Le Moulin d’Arches
El molino de Arches, famoso por su papel vélin de gran calidad, ha desempeñado un papel importante en la historia de la estampa desde su fundación en 1492, proporcionando papel para obras emblemáticas como las crónicas de Nuremberg ilustradas por Dürer. Bajo la dirección de Beaumarchais, el molino incluso imprimió la totalidad de las obras de Voltaire. En el siglo XX, es una elección predilecta para los trabajos de litografía de Miro o Picasso en el taller Mourlot.
El molino de Arches, famoso por su papel vélin de gran calidad, ha desempeñado un papel importante en la historia de la estampa desde su fundación en 1492, proporcionando papel para obras emblemáticas como las crónicas de Nuremberg ilustradas por Dürer. Bajo la dirección de Beaumarchais, el molino incluso imprimió la totalidad de las obras de Voltaire. En el siglo XX, es una elección predilecta para los trabajos de litografía de Miro o Picasso en el taller Mourlot.
Los papeles Moulin du Gué, Johannot y BFK Rives ya no son molinos productores de papel, sino que ahora han sido integrados al Molino de Arches como gamas de papel.
La gama de papel Moulin du Gué está especialmente realizada para grabados en talla dulce. Las tres pequeñas flores presentes en el filigrana simbolizan el 15% de lino utilizado en la fabricación del papel.
Durante más de cuatro siglos, el Molino de Lana, situado cerca de Arches, ha mantenido su reputación de productor de papel de alta calidad. Principalmente reconocido por su papel fino de embalaje, el molino también fabrica papeles moldeados apreciados para la impresión de estampas. Además, ofrece filigranas personalizadas, agregando un toque único a sus productos.
Entre los productores de papel internacionales, el Molino Hahnemühle es particularmente apreciado por los artistas que trabajan con papel. El antiguo molino, fundado en 1584, tenía como función primaria suministrar papel a la administración del Ducado de Brunswick en Alemania. El fundador del molino, Carl Hahne, dio su nombre al papel y a su logotipo, que representa un gallo (Hahn en alemán).
También se puede mencionar el Molino Whatman en el Reino Unido, inventor del papel vélin, el primer papel liso que no presenta las marcas de los hilos horizontales del molde de papel (las vergeures del papel vergé).
El famoso Molino Richard de Bas, productor del papel de Auvernia, o papel hecho a mano. En el siglo XV, Auvernia contaba con alrededor de cincuenta molinos y su situación central favorecía el comercio del papel.
Particularmente cualitativo, este papel se utilizó para imprimir las grabados de la enciclopedia de Diderot y d'Alembert.
A continuación, el hilo de metal que deja una marca de filigrana en el papel.
A menudo nos preguntamos qué hace que una estampa sea “original”. ¿Es una estampa una reproducción de una obra original o es ella misma original? Este concepto tiene matices, pero en resumen, hablamos de “estampa original” para referirnos a las estampas que son realizadas, supervisadas y firmadas por el artista, o simplemente supervisadas y firmadas.
Para estructurar las prácticas comerciales, la Cámara Sindical de la Estampa, el Dibujo y la Pintura (CSEDT), que defiende los intereses de los comerciantes de estampas y sus clientes, ha producido una carta de la estampa original. Aquí un extracto:
“La estampa original es una expresión plástica voluntariamente elegida por el artista, que puede existir en varios ejemplares, según la voluntad del artista. Las estampas que no han sido realizadas por el autor de la firma o bajo su supervisión constante, deben ser señaladas claramente como «estampas de interpretación». La estampa original contemporánea generalmente está firmada y numerada, a diferencia de la estampa antigua.”
Carta de la estampa original, CSEDT, 1996.
Para entender mejor qué hace a una estampa original y auténtica, veamos juntos tres tipos de estampas: primero la estampa original, luego la estampa de interpretación y finalmente la reproducción fotomecánica.
A diferencia de la estampa de interpretación (realizada por un tercero, grabador o litógrafo), en la estampa original el artista concibe y realiza él mismo su creación en la matriz (piedra, cobre, acero, zinc, madera o seda). Es evidente que la estampa original abarca todas las técnicas de expresión gráficas posibles (litografías, grabados, serigrafías). En el caso de una estampa original, el artista realiza él mismo la matriz, y confía la impresión al impresor. Este es el caso de las litografías de Miró, dibujadas en la piedra por el artista y tiradas por los impresores del famoso taller Mourlot. Una vez tirada la edición, el artista verifica la impresión firmando cada ejemplar.
La obra original de un artista (pintura, dibujo, etc.) es interpretada y trasladada a la matriz (soporte) por un litógrafo o un grabador. Este trabajo se realiza generalmente bajo la dirección del propio artista, quien a veces pone su firma en la impresión. El hecho de que el artista no haya grabado él mismo su obra en la matriz (piedra, cobre, etc.) no está necesariamente relacionado con el valor de dicha estampa. Un ejemplo son las hermosas litografías de interpretación de Marc Chagall, por el litógrafo Charles Sorlier del taller Mourlot.
Se trata de la reproducción de una obra única o de una estampa mediante un proceso fotomecánico moderno y no por una técnica de impresión tradicional. Las reproducciones fotomecánicas generalmente no se consideran estampas originales. Este facsímil, autorizado o no, se denomina en el lenguaje común “reproducción”, “póster”, “offset”, etc. Algunas de estas ediciones son valoradas por el mercado. También hay muchas falsificaciones, más o menos legales. Pueden ser reproducciones fotomecánicas producidas para el comercio (como las ediciones hechas para tiendas de museos), o incluso, pueden ser falsificaciones destinadas a engañar. Por lo tanto, es necesario tener especial cuidado para no adquirir por error tal reproducción.
Es importante recordar en esta tipología que el artista está más o menos involucrado en el proceso de fabricación de la estampa. Lo mínimo, para que una estampa sea original, es que la realización esté supervisada por el artista y que apruebe la impresión firmando cada ejemplar.
Para resumir, dejemos hablar al famoso impresor de litografías Fernand Mourlot:
«Una litografía original es una litografía ejecutada por el artista, es decir, él mismo dibuja en la piedra o en el zinc con un lápiz litográfico o con un pincel y agua».
«Si el artista asistió a la realización de su litografía, incluso si no la hizo él mismo en su totalidad, si la aprobó, hizo correcciones, dio su visto bueno para imprimir, siguió la impresión y firmó la litografía, es una litografía original».
Fernand Mourlot, Gravados en mi memoria, Robert Laffont, 1979.
¿Cómo protegerse de una falsificación o reproducción?
Aquí hay algunos consejos para asegurarse de comprar una estampa original, firmada o no. Puede ser intimidante navegar entre las muchas estampas ofrecidas en plataformas en línea o en sitios de venta de segunda mano, pero estos consejos pueden ayudar a minimizar los problemas.
Si es posible, compre sus estampas en una galería de renombre. Si tienen un espacio físico, podrá ver la impresión por sí mismo. Los galeristas de estampas reconocidos son miembros de la Cámara Sindical de la Estampa (CSEDT).
Verifique que la estampa que desea adquirir aparezca en el catálogo razonado del artista, con las dimensiones correctas y la numeración correcta de la edición. El catálogo razonado de un artista es una obra que recopila las obras de un artista, establecida por especialistas, lo que permite entender la rareza de una edición e identificar falsificaciones.
Los catálogos razonados no siempre son fácilmente accesibles, pero puede solicitar a su galerista una fotocopia del catálogo. También hay muchos disponibles en línea, como los de Hans Hartung, Anna-Eva Bergman o Sam Francis.
Sitios de segunda mano como eBay o Leboncoin, así como algunas plataformas de comercio electrónico, ofrecen obras originales, pero también reproducciones fotomecánicas e incluso falsificaciones. Es arriesgado adquirir una estampa por este medio. Si una estampa es muy barata en comparación con el precio de mercado, probablemente sea “demasiado bueno para ser cierto”.
En el ámbito que nos interesa, «tiraje» es sinónimo de «prueba» o «ejemplar». Un tiraje completo de una obra se llama «edición». El origen de este término viene del hecho de que para imprimir en una prensa manual, es necesario hacer el movimiento de tirar hacia uno los brazos de la prensa. Un «tiraje limitado» significa que la impresión de la estampa es cuidadosamente controlada por el artista, y que cada prueba está numerada. Una vez alcanzado el tiraje definido por el editor, la matriz se destruye para garantizar el carácter limitado de la edición.
La justificación del tiraje es la enumeración completa del tiraje de una obra; el tiraje numerado propiamente dicho, el número de pruebas de artista, pruebas fuera de comercio, tirajes adicionales en diferentes papeles, etc. La justificación está disponible en el editor, en los certificados de autenticidad, en el catálogo razonado y, para los libros de artistas, en el colofón.
Es común imprimir pruebas de artista además del tiraje normal de la edición: están destinadas al artista y al editor como archivos. Su número generalmente no excede el 10 % del tiraje total. Las pruebas de artista, o “E. A.” pueden ser numeradas, y si lo son, se numeran en números romanos. También se utiliza el acrónimo “H.-C”, para “fuera de comercio”. Finalmente, algunas estampas tienen varios estados, es decir, versiones sucesivas que pueden ser editadas, o que solo se imprimen para verificar la composición. El ejemplo más famoso es el buey de Picasso impreso por el taller Mourlot, ¡con sus 11 estados sucesivos!
Ahora veamos la parte inferior de una estampa. Tradicionalmente se observa en la esquina inferior izquierda la numeración de la prueba sobre el tiraje total 23/25 (excluyendo los tirajes fuera de comercio). Y en la esquina opuesta, la firma manuscrita del artista con lápiz. Algunos artistas colocan en el medio el título de la obra o la fecha.
Una pregunta común es: ¿cuál es el valor de la numeración? En nuestro ejemplo, ¿tiene el ejemplar 23 un valor diferente del 1 o del 25? ¡Pues no! Es importante saber que las estampas generalmente son numeradas por los impresores, y no necesariamente en el orden de impresión. Este malentendido persistente viene de la grabación tradicional en madera o metal, donde la matriz frágil se desgasta durante el tiraje. En este caso, las primeras pruebas son de mayor calidad que las últimas.
También podemos preguntarnos qué representa un “gran” o un “pequeño” tiraje. En general, se considera que un tiraje inferior a 150 ejemplares puede calificarse de limitado. Más allá, el tiraje es menos raro, como ciertas ediciones de carteles de 2000 ejemplares. También existen tirajes más confidenciales, como el de Hans Hartung arriba, o las ediciones de estampas de Picasso, a menudo impresas en 50 ejemplares.
En el ámbito del grabado moderno, casi siempre al final del tiraje, el artista pone su firma a lápiz en cada una de las pruebas. Este paso le permite tanto controlar el tiraje como eliminar las pruebas que no le satisfacen completamente. No a todos los artistas les gusta firmar, como Francis Bacon, que se resistía a firmar el tiraje de sus grabados de interpretación, pero es un paso obligatorio para garantizar el carácter limitado del tiraje y la calidad de las pruebas individuales. En el mundo del grabado, se relata la siguiente anécdota: editores poco escrupulosos hacían firmar hojas en blanco, especialmente al artista Salvador Dalí, con el objetivo de imprimir y vender grabados de menor calidad. Afortunadamente, esta práctica ya no es común, y los editores así como los comerciantes serios firman un código de grabado original, que impide este tipo de prácticas fraudulentas.
Además, algunas estampas llevan una firma impresa, es decir, puesta por el artista en la composición (por ejemplo, en la piedra para una litografía o en el cobre para un grabado), lo cual no excluye necesariamente una firma original. También se dice que la firma está “en la plancha” o que lleva el “sello del artista”.
Existen tirajes no firmados de estampas originales que utilizan la misma matriz que el tiraje firmado. Por ejemplo, es el caso de las ilustraciones litográficas de revistas de arte o libros ilustrados, que florecieron en la época de la primera escuela de París. Podemos mencionar las revistas XXème siècle, Les Cahiers d’Art, fundado por Christian Zervos, el autor del catálogo razonado de Picasso, o Derrière le Miroir editado por Maeght.
Estos tirajes que no llevan la firma del artista son igual de originales y cualitativos que los tirajes limitados y firmados. Son una buena manera de adquirir bellas piezas a menor costo. Entonces entendemos que la firma de una estampa por el artista aumenta considerablemente el valor de la estampa: su precio, pero también su potencial como inversión.
Veamos ahora algunas firmas y sellos de artistas:
El grabado tiene sus orígenes en la tradición asiática, donde se utilizaba para reproducir textos e imágenes mediante la técnica de grabado en madera. El grabado más antiguo conocido, una impresión en madera sobre seda, proviene de la dinastía Han y se estima que fue producido entre los años -206 a.C. y 220.
En Japón, la técnica del grabado en madera llegó de China alrededor del año 700, y se utilizaba para reproducir literatura extranjera. El grabado se desarrolló ampliamente durante el periodo Edo (1603-1868) en el contexto del movimiento estético Ukiyo-e, o sea, el grabado japonés tal como lo conocemos en Francia. Se utilizaba para representar famosas vistas de Japón, batallas y también escenas de género.
En Europa, los primeros grabados también eran impresiones en madera. En Alemania, en el siglo XV, los grabados en madera se usaban para imprimir cartas de juego.
Los artistas rápidamente adoptaron la técnica, y el grabado cobró auge en el siglo XV, lo que representó un avance crucial para el arte occidental, permitiendo la multiplicación de imágenes. ¡Esto fue antes de la imprenta de Gutenberg!
Las impresiones en metal, más robustas que la madera para la impresión y que permitían trazos más finos, se generalizaron en la década de 1430, también en Alemania. La técnica florecería entre los primeros grandes maestros del grabado a finales del siglo XV, como Albrecht Dürer. Y alrededor de 1450, el famoso Johannes Gutenberg inventa la técnica de los tipos móviles, una verdadera revolución, permitiendo imprimir libros en masa. La Biblia de Gutenberg es el primer libro impreso con esta técnica.
En el siglo XVII, los artistas italianos experimentaron con técnicas de grabado indirecto, que utilizaban ácido para corroer la placa de metal. Perfeccionaron así la técnica del aguafuerte ya practicada por Albrecht Dürer en la década de 1510. La manera negra, un proceso para obtener niveles de gris de forma natural, fue inventada en 1642 por un grabador alemán aficionado. Algunos artistas, como Rembrandt, aprovecharon con éxito el grabado en metal.
Progresivamente, el grabado francés viviría su edad de oro, convirtiéndose en un arte asequible y de moda. La Revolución Francesa utilizaría el grabado para difundir ampliamente sus ideas.
En el siglo XVIII, Italia seguía siendo la cuna del grabado europeo, con maestros del grabado como Tiepolo, Canaletto y Piranesi, que empujaron los límites técnicos del grabado. En España, el primer gran grabador español, Francisco de Goya, se volcó hacia el aguafuerte y luego hacia la litografía al final de su vida, para producir una obra personal que inspiraría el arte moderno, y en particular el expresionismo.
Desde el siglo XIX, la aparición de la litografía ha dado un nuevo impulso al grabado, que perdura hasta nuestros días. Esta técnica, inventada por el dramaturgo alemán Aloys Senefelder, es más fácil de manejar que el grabado y permite imprimir más ejemplares que la placa de cobre, que se desgasta rápidamente.
A finales del siglo XIX, es la época de los pintores-grabadores que destacan en ambas disciplinas, llevando el grabado a nuevos límites. Podemos mencionar a los Nabis, Bonnard y Vuillard, así como al pintor postimpresionista Paul Gauguin, y a pintores de la Escuela de París como Miro, Chagall o Picasso, famosos por su trabajo en grabado. También es la era del color, con las estampas de los fauvistas y los expresionistas alemanes. La destreza multidisciplinaria de estos pintores-grabadores les permitió enriquecer sus prácticas y ofrecer una estética variada y una obra completa.
Para concluir esta reseña histórica, mencionemos que la linograbado apareció en 1900, mientras que el material utilizado para recubrir suelos fue inventado a finales del siglo XIX. Por su parte, la serigrafía tiene una larga historia, ya que fue inventada en China durante la dinastía Song (960-1279). En esa época, se utilizaban plantillas cortadas en seda (“seri” significa “seda” en latín) para imprimir prototipos de billetes de banco. Con esta larga tradición, los emigrantes chinos llevaron esta técnica a los Estados Unidos en el siglo XIX, donde la serigrafía cobró auge entre artistas del Pop Art como Andy Warhol, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein.
Aquí un resumen en forma de línea de tiempo:
Nos encontramos al final de esta guía del grabado. Esperamos que su comprensión de las diferentes técnicas del grabado y cómo coleccionarlas se haya refinado. Puede encontrar la mayoría de las estampas presentadas en nuestra galería en línea, o visitarnos en nuestras galerías de Le Marais o de Saint-Germain-des-Prés.
Luc Bertrand, para la galería Le Coin des Arts - Thaddée Poliakoff Fine Art
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